Vimos It: Chapter Two, la tan esperada secuela del éxito crítico y comercial de 2017. ¿Cumplió la continuación de Muschietti con las expectativas o no? ¡Lea nuestra crítica a continuación!

Género:

Horror

Dirección:

Andrés Muschietti

Guion:

Gary Dauberman

Reparto:

Bill Skarsgård (Pennywise), Jaeden Lieberher / James McAvoy (Bill Denbrough), Sophia Lillis / Jessica Chastain (Beverly Marsh), Jeremy Ray Taylor / Jay Ryan (Ben Hanscome), Finn Wolfhard / Bill Hader (Richie Tozier), Chosen Jacobs / Isaiah Mustafa (Mike Hanlon), Jack Dylan Grazer / James Ransone (Eddie Kaspbrak), Wyatt Oleff / Andy Bean (Stanley Uris)

Sinopsis:

Veintisiete años después de pensar que habían derrotado a Pennywise, el monstruoso payaso regresa a Derry y comienza un nuevo ciclo de alimentación. Recordando el juramento que hicieron, Mike Hanlon, el único de los Perdedores que se quedó en Derry, reúne a sus amigos con el objetivo de enfrentarse una vez más a Pennywise, con la intención de matarlo esta vez para siempre.

Debido a que llegué al portal un poco más tarde, no tuve la oportunidad de escribir una crítica sobre el primer It, lo cual lamento, ya que lo consideré una película raramente inspiradora que despertó en mí algunos sentimientos muy nostálgicos. It me impresionó como ningún horror hasta entonces y debo admitir que tenía expectativas muy altas para la secuela. Muschietti me sorprendió gratamente como director, el reparto fue magistral, y Bill Skarsgård fue más que un digno sucesor de Tim Curry, así que no esperaba menos del segundo capítulo. Y no puedo decir que It: Chapter Two decepcionó, pero tuvo un obstáculo significativo que ni toda esa calidad pudo superar. Pero, hablemos de eso más adelante.

Al igual que la primera película, It: Chapter Two es un filme técnicamente muy sofisticado. Muschietti realmente puso un gran esfuerzo en ensamblar esta historia, es decir, su contexto más amplio, y eso se nota. La narración es extremadamente consistente, tanto en términos de hechos como de ambiente, y el esfuerzo que el equipo técnico puso en la creación del Derry contemporáneo es tan digno de elogio como el que se invirtió en construir el mundo de finales de los 80. Muschietti entiende muy bien el horror, eso no está en duda. Sin embargo, su enfoque a esta historia de King fue muy específico, en el sentido de que creó un horror que no lo era – el jump scare es la técnica básica, aunque está relativamente poco presente y gran parte del horror depende de un CGI de calidad – sino que fue un estudio psicológico del miedo y el crecimiento. En la segunda parte, esa historia de crecimiento se completa, y los miedos se han vuelto (al menos superficialmente) más maduros, sin embargo, Muschietti se mantuvo consistente en su enfoque, con el cual estoy de acuerdo personalmente. Aunque el horror en esta película es significativamente más bizarro (en momentos combina todo, desde camp hasta morbosidad) y en ese sentido más brutal, la película aún rompe los clásicos límites del género y sigue siendo mucho más drama con elementos de horror, que horror con elementos de drama. Aunque las historias de King siempre tienen un trasfondo psicológico más profundo, los autores a menudo lo han ignorado al adaptarlas, por lo que la consistencia de Muschietti definitivamente merece ser elogiada y destacada como una de las mayores cualidades de este díptico.

En cuanto al guion de Dauberman, puede que no siga necesariamente la calidad de dirección y producción, pero sigue estando en un nivel muy alto, especialmente porque logra seguir el ambiente. La propia narración está excelentemente realizada, especialmente la combinación y las transiciones entre el presente y el perfecto, es decir, los momentos de nostalgia y recuerdos que nos devuelven al pasado y complementan la excelente historia de los niños de la primera parte. Dauberman mostró aquí un sentido muy importante de medida y composición, pero también captó el espíritu y la esencia de esas escenas, es decir, de los personajes y sus interrelaciones. En el guion me gustó especialmente el hecho de que Dauberman integró la historia de manera muy efectiva en un contexto contemporáneo y sutilmente, pero de manera efectiva, hizo hincapié en algunos temas muy actuales, como la homosexualidad; sí, la historia de esta manera no se vería y no se vería en la novela original, pero eso es porque la trama original con los Perdedores adultos se desarrolló en 1985. Este It es de una nueva generación y me encanta el hecho de que los personajes y el ambiente se adaptaran a la época, que la historia se adaptara de manera tan efectiva, no solo me gusta, sino que me entusiasma, especialmente porque es muy refrescante. Lo que fue problemático con este guion fueron ciertos diálogos, que sonaban poco naturales y forzados (intencionados punctuations, réplicas patéticas, etc.), algunos elementos de humor, que eran excesivamente campy y la batalla final, que es evidentemente un problema para todos los que intentan adaptarla, aunque la versión de Dauberman parecía un poco ridícula, un poco demasiado comercial para el resto de la película, pero no fue un fracaso.

La escenografía está extraordinariamente creada, tanto la real como la que se hizo con efectos especiales; en ese contexto, también hay que elogiar el CGI, que también es excelente. Los diseñadores de vestuario y maquillaje hicieron nuevamente maravillas con Pennywise, que ahora, 27 años después, se presenta aún más ruidoso, más aterrador y más peligroso como figura. Los camarógrafos también supieron resaltar aspectos importantes de la película y tuvieron incluso algunas escenas muy innovadoras (especialmente en el parque de diversiones), así que en resumen podemos concluir que este aspecto técnico siguió excelentemente la visión de Muschietti y contribuyó a la calidad de la película misma.

Benjamin Wallfisch regresó como compositor para la segunda parte. Debo admitir que no recuerdo específicamente la música de la primera película, pero recuerdo lo suficiente como para saber que era muy efectivamente ambiental. Wallfisch repitió eso en esta película, especialmente con algunas composiciones melancólicas que complementaron tan bien la tragedia de los Perdedores y sus historias de vida.

No estaba seguro de cómo los personajes harían la transición, dado los cambios anunciados y la experiencia de la miniserie de 1990, pero resultó que mi temor era completamente infundado. Al final de los eventos de la primera película, Beverly Marsh (Sophia Lillis) dice que tuvo una visión de todos ellos en el futuro y que vio en quiénes se convierten y cómo lucen. Todos resultaron ser exactamente como debían ser, y Muschietti y Dauberman se esforzaron por trasladar su visión a la película. Esa transición resultó realmente excelente, y las historias adaptadas de todos los personajes fueron tan efectivas y tan auténticas que no dirías en absoluto que no las escribió King, sino que Dauberman las adaptó del original. El mismo casting fue casi perfecto en cuanto a todos los personajes. Pero, vayamos por partes.

Me gustó mucho que Muschietti no desechara a los niños y que no rompiera con la primera película, así que realmente logramos obtener una comparación directa y una representación de la transición de esos personajes de niños a adultos. No han cambiado drásticamente, en un sentido de carácter, y todos, a pesar de sus vidas y obligaciones, siguen siendo esos mismos niños que eran. Las similitudes entre el joven Bill (Jaeden Lieberher) y el escritor Bill (James McAvoy) son sorprendentes, y me parece que este es solo otro de esos papeles que parecen haber sido escritos para el infinitamente talentoso escocés. McAvoy interpretó a Bill de manera excepcional, especialmente su tartamudeo regresado por el trauma y la fuerza de su carácter, es decir, la dicotomía de fuerza y valentía que reside en la esencia de su conflicto interno. Bill fue el líder de los Perdedores, y lo sigue siendo; él es el único que permanece junto a Mike y le da una oportunidad, por él Mike dice que es el único que puede reunir y mantener a los Perdedores, y eso es un hecho, pero me gustó cómo la película no enfatizó eso, no convirtió a Mike en un héroe absoluto, sino que lo hizo un líder muy humano, muy imperfecto que es un buen líder solo porque logra guiar a un grupo de amigos igualmente buenos y fuertes. McAvoy también encarnó muy bien el trauma de Bill relacionado con su hermano Georgie, de manera convincente como si se tratara de su propio hermano, pero también su colapso final en el momento del enfrentamiento del joven Bill con el adulto Bill, que fue presentado de manera excepcional.

Bill Hader también dio una interpretación igualmente poderosa como el adulto Richie Tozier, el inesperado scene stealer y un personaje que provocó varias risas genuinas durante la película. Hader es un actor que no sería tu primera, y probablemente ni siquiera tu séptima elección para este papel, sin embargo, él es como hecho para esta iteración de Richie, que es drásticamente diferente de la de la miniserie. Hader es a la vez un cínico y un ser humano, pero también increíblemente emotivo y sorprendentemente sincero, inesperadamente cuando recordamos cuánto ocultaba sus emociones con sarcasmo de niño. Hader interpretó esa parte de su personaje de manera excepcional, y el añadido de su secreto, es decir, el amor que sentía por Eddie, fue para mí un añadido absolutamente hermoso a este personaje que funcionó excelentemente. Una pequeña digresión, pero en la película Call Me By Your Name lo que más me impresionó fue la sinceridad del amor entre los personajes de Hammer y Chalamet, el hecho de que en ningún momento pudieras dudar de que ese joven amaba a ese chico. Esa emoción fue sincera, fue profunda y fue hermosa. Aunque It no tiene tanta profundidad dramática, las emociones que Richie mostró hacia Eddie, junto con el retroceso que complementa la historia, y el hecho de que realmente tuvo que ocultarlas, así como el dolor que sentía por él, son tan hermosas y al mismo tiempo tristes que provocan una melancolía inusualmente bella que hace que el personaje de Hader sea hermoso, y su interpretación tan inesperadamente poderosa y auténtica que te deja sin aliento.

Otra interpretación poderosamente esperada nos la dejó Jessica Chastain como la adulta Beverly Marsh. Su personaje puede que tuviera la historia más profunda y compleja cuando era niña, pero Sophia Lillis la interpretó magistralmente y fue, junto a Lieberher, la mejor en la primera película. Chastain está a la altura de McAvoy y Hader, y su transición es irónicamente tal que pasó de una relación en la que fue abusada a otra, aunque esta última aparentemente ideal. Chastain transmitió muy bien todo el dolor y la melancolía del personaje de Beverly, pero también, al igual que Bill, la fuerza que lleva dentro. Su papel es esencial y fue un desarrollo excepcional del personaje en relación con la primera parte. Su historia se modificó en parte en el contexto de esta historia de modo que al final encontró la felicidad con ese mismo Ben que, como niño gordito, la amaba mientras ella amaba a Bill. Ella también ama a Bill aquí, Bill también la ama, pero Bill está casado y tiene una esposa, una actriz (Jess Weixler), cuyo personaje no se utiliza demasiado en esta película, en comparación con la miniserie de 1990.

Aunque mantuvo el carácter nervioso e hipocondríaco que tenía de niño, Eddie Kaspbrak ha crecido, a pesar de algunos tropiezos, en comparación con su juventud. James Ransone fue una elección físicamente muy adecuada, y logró capturar esa rigidez que existía en Eddie, así como su carácter nervioso. Eddie nos hizo reír, impresionó y al final, de acuerdo con la historia de King, nos entristeció más que cualquiera de ellos, pero su final resultó ser tan valiente y tan noble que esa tristeza se volvió aún mayor, pero al mismo tiempo más soportable. Mike Hanlon, interpretado por Isaiah Thomas, fue el que menos cambió de todos y, aunque es el motor de la trama, es de alguna manera el personaje menos expuesto; él es el Mike que vimos antes, obsesionado con la historia, establecido en Derry y una especie de archivo andante que en realidad es un medio cohesivo que impide que el grupo olvide, aunque otros personajes lo guíen. Andy Bean se parecía tanto a Wyatt Oleff que en un momento realmente pensé que era el mismo actor, solo un poco envejecido digitalmente; resultó que no lo era. El único miembro ausente de los Perdedores, Stanley tuvo un papel muy importante (mucho más importante que en la miniserie) en la lucha de los otros Perdedores contra Pennywise, y la carta que se leyó al final le dio a su personaje un giro inesperado, una nobleza inesperada (que faltó en 1990), y al mismo tiempo cerró la historia de los Perdedores de la manera más hermosa posible.

Dejé a Ben para el final porque me parece que Jay Ryan fue el peor casting y para mí, en realidad, el único que podría haberse hecho mejor. No es que el actor fuera malo, de hecho, hizo un trabajo inesperadamente bueno en el papel, pero simplemente me pareció demasiado… atractivo, demasiado guapo para tomarlo en serio en una película tan compleja. El fallecido John Ritter interpretó al adulto Ben en 1990 y lo hizo magistralmente, mientras que Ryan simplemente parecía que habían tomado a un modelo y lo habían puesto allí para que no todos parecieran sacados de una película de horror. Simpático, pero simplemente no pude conectarme con él en ese papel.

¿Pensaron que me olvidé de Pennywise? ¡Por supuesto que no! Pero el villano principal de esta historia merece un párrafo separado en el texto, apartado de los demás. En cuanto a la interpretación de Bill Skarsgård, solo puedo hablar de ella en superlativos, tanto en la primera como en esta parte. El chico es increíblemente talentoso, y el hecho de que sea alto y delgado solo ayuda a esta interpretación maníaca. En un contexto, esta interpretación de Skarsgård es casi shakespeariana – es épica, es especial, es muy teatral – y podría encajar fácilmente en alguna adaptación grotesca de la obra del Bardo. Skarsgård está completamente en su personaje, es Pennywise de principio a fin, y recibió un arco tan brillante que su final casi despierta cierta compasión en ti, a pesar del hecho de que se ha comido a niños y adultos en Derry. El loco payaso se eleva en esta película a un nuevo nivel, tiene más espacio para mostrar su maníaco, y todo es consecuencia de casi treinta años de venganza que ha acumulado en su interior, deseando hacer daño a los Perdedores. Se nota, por su regreso, que ya no es el mismo payaso caníbal juguetón y un poco loco, sino que es un adversario mórbido, peligroso y astuto que atrae a sus víctimas a la trampa como nunca antes. Irónicamente, al final me pareció que, aunque había más de él, había menos Pennywise, tal vez porque el énfasis en esta película se puso más en su morbosidad que en esbozar su psique, que fue el caso de la primera película. Por supuesto, eso no es algo malo, porque obtuvimos lo que no tuvimos en la primera película, pero no estaría de más que antes de ver la segunda repasar el material, solo para entender cómo esta parte completa el personaje de Pennywise. Asimismo, el maquillaje hizo un trabajo magistral en la creación de su rostro y máscara, donde se ve que es un payaso más viejo, más peligroso y más maligno, lo cual realmente me gustó.

En cuanto a la batalla final contra el monstruoso Pennywise, aquí tampoco se mostró de manera tan efectiva y bombástica, aunque sí mejor que en 1990. Y mientras que entonces tuvimos algo simplemente barato (lo cual fue consecuencia de recortes de presupuesto y grandes problemas en la producción, no una decisión intencionada; incluso los actores y el director estaban insatisfechos, pero era demasiado tarde para hacer algo), aquí tuvimos algo demasiado efectivo. Aunque la transformación fue mucho más aceptable, y la propia batalla fue quizás un poco campy, pero aún así muy interesante y dinámica, la forma en que los Perdedores lo superaron me pareció un poco ingenua. Es decir, estaba claro para mí que tal victoria tiene un gran significado simbólico y en ese sentido puede ser más efectiva de lo que estarías dispuesto a admitir, pero esa fuerte y adecuada simbolización, creo, podría haberse ejecutado mejor, al menos lo suficiente para no ser ingenua. No es nada malo, no es nada terrible, pero es un poco demasiado ingenuo para una película con estándares tan altos; por otro lado, los efectos en esa batalla y la caída de Pennywise fueron excelentes y me gustó mucho la idea de su final.

Sabes, la suerte es que tengo un muy buen «editor en jefe», que me da libertad al escribir, así que maltrato al lector con largos textos cuando una película me inspira. Suerte, porque alguien más me habría cortado y enviado a algún lugar hace 3-4 párrafos, pero mi editor no lo hace, así que aprovecharé eso mientras pueda y antes de terminar hablar un poco sobre el ambiente y el concepto de esta película.

Lo que más me entusiasmó de la primera parte, y de lo que más temía que esta película podría arruinar, fue esa emoción que la película transmitía. En ausencia de un mejor término, la llamaría melancolía, pero no es tan triste, simplemente – sufre por la inevitable pérdida. ¿De qué? De todo. Infancia, amistad, familia, inocencia, sinceridad, enamoramiento, amor…, se puede enumerar mucho para completar la historia de melancolía que esta película lleva dentro. Muschietti sabía qué hacer con eso, Dauberman también lo sabía, aunque no siempre de manera consistente, aunque temía que no lograrían mantener esa dirección. Es decir, a pesar de que la segunda parte enfatiza más la batalla final, contra Pennywise, contra ellos mismos, esa triste felicidad, esa melancolía específica se entrelaza a través de varias escenas importantes (por ejemplo, la cena en el restaurante chino, la búsqueda de objetos, el baño, …) en esta película y eso es lo que deja una impresión muy fuerte. Muestra que el núcleo de esta historia no es un monstruo maníaco, sino la belleza de lo que se ha perdido, pero nunca olvidado. La memoria y el recuerdo son motivos poderosos porque a través de la necesidad de recordar la infancia, los personajes adultos se acercan, se liberan de la maldición según la cual salir de Derry conduce al olvido de ese mismo Derry, pero también a la desesperación suficiente para enfrentarse al payaso. A esa melancolía se suman los miedos, que fueron la idea focal de la primera película – los miedos y su superación. Esos miedos están presentes aquí también, pero en un papel algo menor, porque aquí sirven como catalizador de la desesperación, es decir, nos muestran el sentimiento de enfrentamiento en su última fase.

La idea focal en esta película es – nostalgia. Recordar y preservar lo que es más hermoso para nosotros. Aunque los personajes se enfocaron en la lucha contra Pennywise, una parte inseparable de esa lucha son sus traumas pasados y sus recuerdos. Para vencerlo, deben excavar en sus yo pasados, deben buscar lo que se ha olvidado para entender cómo esas traumas desconocidas los han definido y moldeado, y ese proceso es muy doloroso y muy emocional. Por supuesto, en la búsqueda también surgen recuerdos positivos, que ayudan a superar los miedos y traumas y a la victoria final contra Pennywise, pero toda esa idea fundamental está envuelta en esa atmósfera melancólica que adornó tan maravillosamente toda la primera película y la convirtió en una obra maestra. Aquí hay menos de esa atmósfera, menos de esa idea principal, pero no es porque el equipo haya cometido un error, sino porque la historia no permitía demasiado espacio para ello. Muschietti y Dauberman lograron aprovechar cada pequeña oportunidad que se les presentó para insertar esa atmósfera, para desarrollar la idea, e incluso cambiaron y/o añadieron algunos elementos de la historia para lograrlo, y en eso les doy todo el crédito, porque la segunda parte de la historia de los Perdedores realmente no ofrecía tanto espacio, al menos a primera vista, como Muschietti y Dauberman lograron encontrar.

It: Chapter Two no es igualmente perfecto, pero sí es una secuela de igual calidad de la gran éxito. Aunque en términos técnicos y de actuación no hay absolutamente ninguna queja que afecte la calificación, algunas soluciones de guion ingenuas y poco naturales de Gary Dauberman combinadas con una historia algo menos interesante de la segunda parte de la novela hacen que la película sea digna, pero no una secuela de mayor calidad. Ahora que pienso y recuerdo la interpretación de la segunda parte en la miniserie de 1990, me doy cuenta de que, sin embargo, no hay nada que reprochar a Dauberman y Muschietti. Ellos sacaron el máximo de esta narrativa, la adaptaron y la convirtieron en una historia de casi tres horas que te mantendrá pegado a la pantalla hasta el final, pero – tal vez la historia de los Perdedores adultos simplemente sea menos inspiradora por sí misma. Tal vez simplemente no tienen ese encanto que tenían y entonces la presentación de esa historia adulta poco encantadora resulta así, aunque la absorbas hasta el final. No sé la respuesta concreta a esa pregunta, pero sé que he tenido esa impresión y que por eso no puedo reprochar nada ni al director ni al guionista. Los críticos colegas han criticado la duración de la película y la falta de elementos de horror. Sobre esto último ya he hablado arriba y solo puedo repetir – Muschietti optó por este enfoque estilístico atípico y lo justifico completamente, de hecho – creo que se adapta mejor a la verdadera esencia de esta historia de King que si hubiera hecho una verdadera película de horror; el hecho es que ambas películas fueron dramas con elementos de horror, y no horror con elementos de drama, lo que las hizo más especiales y hermosas. En cuanto a la duración, es cierto, casi tres horas son inusualmente largas para un horror, pero la película no te aburre, no es pesada, no es lenta, de hecho – es muy tensa y dinámica – así que no tengo ningún problema con eso, y tú tampoco deberías tenerlo; el hecho de que no sea una película de arte no significa que no pueda tener una buena historia que contar a lo largo de un tiempo más largo.

Ahora, después de que todos juntos llegamos al final, agotados aproximadamente como los Perdedores al final de la película, cuando analizamos lo bueno y lo malo de la película (esa única cosa), podemos concluir que It: Chapter Two es una secuela emotiva, hermosa y digna, pero también un final de esta breve serie que no solo ha marcado las adaptaciones de Stephen King, sino también el horror contemporáneo. Esta película puede que no obtenga el éxito crítico que tuvo la primera (en taquilla podría ser igualmente fructífera), pero se trata realmente de diferencias sutiles. La película completa y cierra hermosamente toda esta historia, y creo que debido a la calidad de los otros aspectos de la película podrás ignorar algunos pequeños errores. Una recomendación absoluta y un hermoso final, It: Chapter Two es una película bien hecha y actuada que muestra cuán profundos pueden ser nuestros miedos, cuán importante es tener amigos y cuán necesario es no olvidar.

P.D. Stephen King tiene un cameo bastante largo en esta película; si no sabes cómo se ve King, asegúrate de buscar su imagen para reconocerlo porque este es uno de los mejores cameos que he tenido la oportunidad de ver. Me pareció que Muschietti también tiene un cameo «silencioso», pero no estoy del todo seguro de eso (quizás alguien se le parecía mucho), así que echa un vistazo y trata de encontrarlo, junto con King.

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