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Durante años se habló sobre el remake del icónico Suspiria, la innovadora película psicológica de Dario Argento de 1977, antes de que Luca Guadagnino hiciera el remake en 2018. ¿Es mejor el original o el remake? ¡Lea el texto a continuación!

Género:

Fantástico, horror, thriller

Dirección:

Luca Guadagnino

Guion:

David Kajganich (basado en el guion de Dario Argento y Daria Nicolodi)

Reparto:

Dakota Johnson (Susanna Bannion), Tilda Swinton (Madame Blanc / Helena Markos), Lutz Ebersdorf (dr. Josef Klemperer), Mia Goth (Sara Simms), Chloë Grace Moretz (Patricia Hingle)

Sinopsis:

La talentosa bailarina americana Susanna Bannion llega a Berlín a una prestigiosa escuela de danza, donde pronto se ve envuelta en una serie de misteriosos eventos que incluyen psicosis, sacrificios y brujería.

En 1977, el director italiano Dario Argento filmó el thriller psicológico con elementos de horror, Suspiria. Basado en un guion que escribió junto a Daria Nicolodi, esta inusual y vanguardista película italiana se convirtió con el tiempo en una obra de culto que ha inspirado ideológica y visualmente a muchos directores posteriores. Coloridamente extravagante, fuera de todos los marcos censores de la época y misteriosamente innovadora, Suspiria de 1977 fue realmente una película excepcional que, proféticamente inconscientemente, anticipó toda la colorida estética de la nueva ola y el nuevo romanticismo. La película de Argento es indiscutiblemente una obra maestra y uno de los trabajos más significativos de su género de su época, con un impacto duradero, por lo que en tiempos de remakes de todo tipo, no es extraño que Luca Guadagnino se haya embarcado en la tarea de revitalizar este clásico. Sin embargo, como suele suceder con los remakes, este remake, que según las palabras de Guadagnino ni siquiera es eso, sino un hommage, no logró ni repetir, y mucho menos superar, la estética y el encanto de su modelo.

Luca Guadagnino es un director que recordamos principalmente por la trilogía de películas que comenzó con Io sono l’amore (2009), continuó con A Bigger Splash (2015) y concluyó con el magistral Call Me by Your Name (2017). Este italiano ha dicho que siempre quiso filmar «su» Suspiria, es decir, desde que la vio por primera vez. Después de conseguir los derechos de la historia original de Argento, la película estuvo durante años en un «infierno de producción» antes de que, con no poca pompa mediática, finalmente se realizara. Guadagnino es indudablemente un director talentoso y de calidad; lo hemos visto antes, y su trabajo de dirección en cámara, escenografía, encuadres y perspectivas en Suspiria es realmente impresionante. A diferencia del colorido mondriano de Argento (quien particularmente amaba el rojo y el verde), decidió «enfriar» su versión «alemanamente», por lo que en ella solo aparecen ocasionalmente algunas escenas de color expresivo (como el plano de Tilda Swinton en púrpura, o el rojo acentuado al final), mientras que el ambiente general es muy frío y apagado. Tenemos una similar pastelidad en Call Me by Your Name, aunque allí predominan la claridad y los colores cálidos, mientras que en esta constelación pastel predominan los colores fríos y los neutros (gris, blanco). En resumen, estos aspectos estéticos están en un nivel realmente alto y aquí Guadagnino rinde un digno hommage al original; la película es realmente hermosa y una delicia visual, y esas escenas estéticamente superiores se ensamblan como si estuvieras en una exposición en alguna galería.

En este punto, también quiero elogiar la parte musical y de danza de la película. La música fue compuesta por Thom Yorke, el vocalista de la icónica y excepcional banda Radiohead, lo que se nota desde el principio; quiero decir, incluso si no reconoces su voz, la música es muy reminiscentemente similar a la que hace Radiohead. Yorke es un genio musical, no hay duda de ello, y aquí ha complementado tan bellamente el ambiente y la estética de la película con su música, ya sea en melancolía, misterio o en segmentos vanguardistas relacionados con la coreografía. En cuanto a la coreografía, cuyo autor es Damien Jalet, debo admitir que no entiendo demasiado en detalle los conceptos básicos de la coreografía de la danza contemporánea, pero lo que sé es que la importancia está en el movimiento, es decir, en la expresión del propio movimiento, y no necesariamente en la elegancia y precisión de los pasos, como en las danzas clásicas. Y aunque la coreografía de esta película es estéticamente muy abstracta, es difícil no notar su virtuosismo y el esfuerzo invertido en su realización. Quiero decir, la coreografía es extremadamente importante para la idea de la película y a través de ella se representan todos los elementos ocultos de la misma, pero también requiere bastante contextualización (que se presenta a través de la narración) para que su simbolismo se comprenda completamente. Este aspecto musical y de danza está incluso más presente que en la película de Argento, donde la danza era solo un telón de fondo, mientras que aquí está en el foco, aunque al final resulta que contribuye más a la impresión estética que a la sustancia.

Con estos dos párrafos, en realidad llegamos al final de lo que funciona en la película. Todo lo demás es, más o menos, malo. La actuación no es mala per se, sin embargo, todos los personajes están encajados en la tibia, pastelosa impresión de toda la película. Sí, Tilda Swinton se destaca absolutamente con sus tres papeles (si estudias mejor la historia de la película, descubrirás que Lutz Ebersdorf es en realidad Tilda Swinton en el papel de un hombre), sin embargo, todos son muy tibios, muy estériles y sin mucha expresión; la excepción es el personaje de Moretz, pero aparece tan brevemente que es prácticamente insignificante. Lo mismo se aplica a los demás personajes, especialmente a las bailarinas, que no tienen ni de cerca la misma connotación destacada y maníaca que tenían en la película de Argento. De vez en cuando aparece en la película alguna «loca» (te será claro), pero eso también se siente muy inarticulado y compositivamente mal. Simplemente, la tibieza de la película se ha transmitido a la tibieza de las interpretaciones, y el contexto de conjunto de la película no ha ayudado en absoluto. Nadie tuvo espacio, ni Johnson, ni Swinton, ni el guion se molestó en permitir que ningún personaje se desarrollara y fuera algo más que un peón en una historia más grande; quiero decir, esos intentos de retrospectiva colagada lanzados a través del pensamiento del personaje de Dakota Johnson son simplemente indignos e insuficientes. Es cierto que Argento tampoco era Dostoievski o Balzac en lo que respecta a los esbozos de personajes, pero también me parece que dio más espacio a aquellos que en la película eran percibidos como protagonistas, mientras que aquí es muy difícil distinguir la importancia de cada papel en el contexto de la película.

En cuanto al guion, me parece que ahí radica el principal problema de esta película. Dije arriba que Guadagnino quería hacer un hommage al original, y no hacer un remake. Creo que hubiera sido mejor si hubiera decidido lo contrario; el guion de esta película (¡para mi sorpresa!) fue escrito por David Kajganich. Si recuerdas, quien ha leído, de él hablé en una crítica anterior como de alguien de quien no sé absolutamente nada (estaba en la carrera para ser el guionista de esa película). Ni hoy sé absolutamente nada sobre él, pero ahora puedo decir que conozco una película que escribió. Y la escribió – mal. La Suspiria de Kajganich tiene solo conexiones generales y superficiales con el original de 1977; utiliza algunos elementos argumentales (escuela de danza en Alemania, llegada de una talentosa americana, ocultismo), pero crea una historia completamente nueva que no tiene ni un final idéntico al original. Esa desviación del original no es el problema, de hecho, pero esta historia parece no saber lo que quiere. Por un lado quiere ser una película de arte, por otro lado quiere ser una película de horror, por un tercer lado quiere imitar a David Lynch con morbosas y prácticamente perversas rarezas, y por un cuarto lado quiere ser una película filosófica sobre la danza. Al combinar esto, la película en realidad no logra nada. No es una película de arte porque tiene más partes que son extremadamente convencionales; no es una película de horror porque prácticamente no tiene la parte oculta y misteriosa que tan maravillosamente formó la película de Argento y la convirtió en un clásico – bueno, la tiene, pero es tan secundaria, irrelevante y desapercibida que es prácticamente insignificante; el maestro Lynch es uno solo, y este intento flagrante con elementos tan obvios lynchianos (especialmente si has visto la tercera temporada de Twin Peaks) no necesita ni ser comentado – Kajganich simplemente no tiene ni esa finura ni esa habilidad para siquiera acercarse a Lynch; al final, el hecho de que se hayan insertado en la película algunas frases supuestamente profundas sobre la esencia de la danza no convierte a la película en un tratado filosófico sobre el arte. Al querer ser todo, el guion de Kajganich se ha convertido en un confuso revoltijo de diferentes elementos sin una conexión clara y sin un sentido final. Ah, sí, también olvidé el contexto político completamente innecesario y casi estúpido que debía ser una reflexión sobre la llamada «culpa alemana» y el Holocausto, pero que sirvió como un telón de fondo innecesario y estúpido que no contribuyó en nada. Pero volviendo al punto. Además de que la trama como tal no tiene sentido y no se cierra en un todo significativo con cabeza y cola, es extremadamente lenta. La película dura poco menos de dos horas y media, y el tiempo pasa tan lentamente porque casi no sucede nada, tanto que, personalmente, apenas podía esperar a que la película terminara. A pesar de su gran potencial, el guion ha fallado completamente.

La última enfermedad de esta película es su estilo. Argento realizó en 1977 un extraordinario thriller psicológico de horror que golpeaba en la esencia oculta que era su trasfondo. Era una película clásica europea con muchos elementos artísticos, pero nunca pretendió ser una película de arte clásica, lo cual es bueno. Esta película no sabe lo que quiere ser – una película comercial, un hack’n’slash de horror, una película de arte o una película bizarra. Los problemas del guion se han traducido claramente en el estilo. Por un lado, tienes tomas artísticamente superiores que se combinan con actuaciones mediocres y diálogos estúpidos que no dan ninguna profundidad (aunque, supuestamente, deberían); luego tienes innecesariamente la mezcla de tres idiomas que perturba tanto la visualización que es doloroso para los oídos (especialmente porque la mitad se habla de manera horrible), mientras que todo eso se combina hábilmente con perversiones bizarras como la ruptura de una chica o escenas de sueños con el devoramiento de entrañas humanas. Y al final llega la última escena… la culminación de la tensión y lo oculto, que no tenía nada que ver con el final efectivo del original de Argento, pero aquí tampoco tenía sentido. Es algo realmente repugnante y nauseabundo de ver, con lo que personalmente no tengo problema, pero esa repugnancia por la repugnancia, que no tiene ningún propósito argumental o estético, siempre me ha parecido absurda. Además, ese final sangriento se asemeja más a un Fatality de la serie Mortal Kombat (así, cuando Sub-Zero aplasta la cabeza congelada de alguien) que a un final adecuado para una película. No hablaré especialmente de la última escena de olvido, que supongo que es otra reflexión sobre el Holocausto(?).

Aquí repetiré que la Suspiria de Argento de 1977 es una verdadera obra maestra que me fascinó desde la primera vez que la vi. No es la mejor película de todos los tiempos, pero es estéticamente y de género altamente superior. La nueva Suspiria es, en el mejor de los casos, un débil hommage al original, y en una evaluación real, en realidad es una especie de medio intento que se esforzó tanto por ser auténtico, original y autónomo en relación al original que creó una especie de confusa mezcla de película que parece no haber entendido en absoluto la esencia de la película original – que es lo oculto y misterioso. Aquí no hay nada de eso, excepto en trazos vagos, la película no provoca escalofríos, ni miedo (solo una visible repulsión en ciertos momentos), pero eso es algo que atribuiría a Kajganich como guionista. Guadagnino hizo un buen trabajo y la película es realmente estéticamente sofisticada y hermosa, a lo que contribuyen la magistral coreografía y la música de Thom Yorke de Radiohead. Después de ver la película, leí, o encontré lo que Argento mismo dijo sobre la película para ver cuánto se diferencia nuestra percepción; como concluí que en absoluto se diferencia, concluiré esta crítica con su declaración, que cito aquí, porque ni yo, aunque tengo una opinión completamente idéntica sobre la película, podría terminar mejor: «No me emocionó, traicionó el espíritu de la película original: no hay miedo, no hay música. La película me decepcionó.»

P.D. Argento, sin embargo, añadió un comentario de que la película es realmente hermosa, con lo que también está de acuerdo el autor de este texto.