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Hemos visto la película Once Upon a Time… in Hollywood (Érase una vez… en Hollywood). Se dice que Tarantino planea hacer solo una película más después de esta y luego retirarse. La partida de uno de los mayores visionarios de Hollywood sería, sin duda, una enorme pérdida para el cine contemporáneo, sin embargo, ¿es mejor que Tarantino se retire lo antes posible después de su novena película o debería hacer al menos otras nueve? La reseña de la película Once Upon a Time… in Hollywood (Érase una vez… en Hollywood) la pueden leer, como siempre, en nuestro texto.

Género:

Comedia, drama

Título en croata:

Érase una vez… en Hollywood

Dirección:

Quentin Tarantino

Guion:

Quentin Tarantino

Reparto principal:

Leonardo DiCaprio (Rick Dalton), Brad Pitt (Cliff Booth), Margot Robbie (Sharon Tate), Al Pacino (Marvin Schwarz), Emile Hirsch (Jay Sebring), Bruce Dern (George Spahn), Maya Hawke («Flowerchild»), Kurt Russell (Randy), Luke Perry (Wayne Maunder)

Sinopsis:

Intentando revivir y relanzar su carrera en declive, el actor Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) y su doble Cliff Booth (Brad Pitt) exploran las posibilidades de Hollywood durante los últimos años de su Edad de Oro, descubriendo así todo el brillo y la miseria del mayor centro cinematográfico del mundo. En el trasfondo de su historia se desarrolla el verdadero horror de las acciones de la familia Manson, cuyo carismático pero completamente loco líder, Charles Manson, dejó una huella imborrable en la historia estadounidense. Sin embargo, ¿qué sucedió exactamente? Como dice el título de la película – Érase una vez en Hollywood…

Quentin Tarantino es uno de esos genios locos que ha tenido éxito gracias a su originalidad, valentía y, por supuesto, un poco de suerte. Desde 1992, cuando lanzó su película de culto Reservoir Dogs, hasta esta, su novena película, Tarantino nos ha llevado a través de una multitud de géneros y nos ha mostrado no solo lo que lo ha influenciado, sino también lo que realmente ama. Y aunque se le puede criticar por la falta de sofisticación o cierta exageración, Tarantino es indiscutiblemente un genio y un artista que el cine recordará para siempre.

La novena película en solitario (no contamos la colaboración en el díptico Grindhouse/Death Proof, ni el segmento en Four Rooms) de Quentin Tarantino se clasifica como comedia/drama, sin embargo, conociendo a Tarantino, probablemente ya puedes deducir que los límites de los géneros están muy estirados. Al igual que en sus ocho películas anteriores, Tarantino escribió el guion de esta película en la que presenta una historia collage de todo lo que este hombre, mientras trabajaba en una tienda de videos y disfrutaba del cine, adoraba. Aunque cada una de sus películas de géneros concretos (sus tres primeras son thrillers, Kill Bill es una película de artes marciales, Inglourious Basterds es una película de guerra, mientras que las dos películas anteriores a esta son westerns) ha sido bastante estirada y nunca han sido unívocamente de un solo género, Once Upon a Time… in Hollywood es hasta ahora el proyecto más grande y ambicioso de Tarantino en ese segmento. Aunque sí, podemos decir en algún contexto que es principalmente un drama negro, esta película realmente tiene de todo y están presentes, de hecho, todos los géneros que Tarantino ha filmado anteriormente. En este guion collage, Tarantino rinde homenaje a los géneros a los que ya se había inclinado a través de películas individuales, pero también logró, de una manera sutil y nada egocéntrica, rendir homenaje a sí mismo.

Con este guion, Tarantino finalmente ha encontrado su camino. De hecho, Tarantino ama el cine, y aún más que eso, ama hacer películas. Aunque nunca ha sido parte del establishment de la cinematografía estadounidense, al mismo tiempo ha sido lo suficientemente mainstream como para no ser indie, y eso, en su caso, es algo muy bueno porque ha tenido acceso a la industria, pero más como observador que como actor. Y mientras antes exploraba ciertos géneros y sus implicaciones, aquí finalmente ha logrado explorar, y de una manera absolutamente magistral, el cine mismo, el arte de hacer cine. A través de la historia de un actor en declive, cuya historia es a nivel simbólico una metáfora sobre la caída de la Edad de Oro de Hollywood (esa, para muchos, la época más espectacular y mejor de la cinematografía hollywoodense), Tarantino nos presenta un estudio de carácter de la psique actoral en declive, pero también un estudio histórico de su esplendor y toda la miseria de un período del que siempre se habla en superlativos, y que en muchos aspectos era como una pseudoarquitectura: solo una hermosa fachada con un esqueleto muy primitivo.

Con el hecho de haber hecho una película sobre la creación de una película, Tarantino ha logrado incluirlo todo. Si te concentras bien, y te recomiendo que lo hagas cuando vayas a ver la película, notarás cómo Tarantino ha logrado incluir en una película que es nominalmente un drama, un thriller, su primer género (el misterio de la familia Manson), luego películas sobre artes marciales (el efectivo monólogo de Bruce Lee y su continuación), western (Rick Dalton se abre camino a través de la televisión western estadounidense, y luego a través del spaghetti western favorito de Tarantino) e incluso una película de guerra (a través de un repaso de la carrera de Dalton), que en esta película recuerda mucho a Inglourious Basterds. Al explorar la historia del cine, Tarantino nos ha mostrado su propia historia porque a través de todos esos géneros ha dado un repaso a su carrera, no tan prolífica, pero inolvidable, y lo ha hecho de manera tan compacta como en el análisis individual de cada uno de esos géneros. Por supuesto, todo está marcado por las características escenas y atmósfera de Tarantino, y especialmente por su excelente humor negro, con el que, como nunca antes, no ha dudado en burlarse de sí mismo y de lo que ama (nota del editor: la escena en la que Dalton escupe sobre los spaghetti westerns).

El propio guion es sorprendentemente compacto para Tarantino. Aunque hay algunos elementos no lineales que se han incluido aquí, la narración fluye de manera completamente lineal y realmente muestra cómo Tarantino, lo que nunca creí que diría, ha madurado y crecido. Aunque cada uno de sus guiones ha sido, de alguna manera, una pequeña obra maestra, es un hecho que Tarantino siempre ha jugado con sus historias y las ha estirado, a menudo, hasta los límites de la coherencia. Aquí, atípico para él, ha contado una historia significativa, coherente y muy seriamente no seria de principio a fin, y lo ha hecho de manera fenomenal. Si te gustaba el Tarantino inmaduro, el Tarantino maduro te dejará boquiabierto porque por primera vez puedes ver cómo es su verdadero genio, y no esa caótica diversión. El guion está lleno de simbolismo, está repleto de metáforas y referencias, y todo es tan compacto como un todo, todo tiene tanto sentido que en realidad en ningún momento dudas de que así sucedió. Por supuesto, Tarantino conoce el cine y conoce el período del que escribió, pero hacer una versión alternativa tan convincente de eventos tan conocidos – para eso se necesita arte, y Tarantino finalmente ha demostrado que es un artista que merece el más alto reconocimiento, y no solo un genio enfant terrible que nunca superará su falta de sofisticación artística.

Sin embargo, sobre el simbolismo se debe escribir por separado, así que saltaremos brevemente esa parte. Hay que decir algo sobre los actores y los personajes. En esta película, los actores interpretan a actores. Bueno, aparece alguien de vez en cuando que no es actor, pero en regla general – todos los actores en la película interpretan a actores. Algunos reales, otros ficticios, pero todos actúan. Este componente metateatral, o metacinematográfico, no es tan raro en Hollywood (nota del editor: Ed Wood de Burton, Rosencrantz & Guildenstern Are Dead de Stoppard, 8½ de Fellini, etc.), sin embargo, en Tarantino se trata de utilizar el procedimiento metacinematográfico sobre una materia muy bien conocida. Es decir, Ed Wood se basó en hechos reales, la obra de Stoppard está ambientada en la época isabelina, y la historia de Fellini es una versión surrealista de sus experiencias personales; Tarantino, por otro lado, utiliza circunstancias reales, personajes reales y hechos reales para presentar una historia ficticia y metacinematográfica sobre cómo sucedió (es decir, ¡no cómo debería haber sucedido!) lo que nunca sucedió.

Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) es la encarnación de toda una serie de actores en declive o fracasados que en ese momento estaban haciendo una (no) exitosa transición de la televisión al cine, buscando una carrera más grande, y su historia es en realidad una metáfora emanante que se refleja en toda la película. Dalton está en ruinas, al igual que Hollywood, intenta elevarse prácticamente con películas de bajo nivel y poco valor artístico, al igual que Hollywood, para al final, en esencia, fracasar, pero eso es Hollywood, así que el happy end es en realidad una necesidad. DiCaprio ha interpretado en esta película uno de los papeles de su carrera, sin lugar a dudas, y lo ha hecho con tal ímpetu que realmente te queda la duda de si lo amas más como Rick Dalton o como Rick Dalton que interpreta a otro. Lo mismo vale para Brad Pitt en el papel de Cliff Booth, el doble de Dalton y sirviente no oficial; su relación se basa en la relación real del fallecido Burt Reynolds y su doble de toda la vida, Hal Needham. Aunque se trata de un papel nominalmente secundario (y creo que así se lo reportarán, aunque en realidad no lo es), Brad Pitt ha dado, después de muchos años (si retrocedemos, podemos llegar incluso hasta Moneyball de 2011, si ignoramos The Big Short y Fury), una poderosa actuación que ha confirmado su enorme talento y alta calidad actoral. Booth es un personaje mucho más entrañable que Dalton y así nos resulta, como espectadores, mucho más simpático y fácil de identificar, porque – él no es una estrella, solo es un doble y un amigo irrealmente bueno y leal. Tarantino realmente ha hecho un profundo estudio de carácter de cada uno de ellos y los ha encajado perfectamente en el contexto de la época a la que pertenecen, siendo, por más simples que parezcan, tanto uno como otro papel interpretaciones de carácter muy complejas.

Margot Robbie ha causado controversias significativas como Sharon Tate, no porque ella fuera una mala elección (de hecho, era ideal), sino porque Tarantino supuestamente la retrató de manera no auténtica, como una rubia tonta; algo similar ocurrió con la supuesta caricatura de Bruce Lee (Mike Moh). Sin embargo, hay que enfatizar que esta película es en realidad la historia de Dalton y Booth, mientras que todos los demás personajes son solo (simbólicamente) partes de un gran rompecabezas que Tarantino ha ensamblado de manera tan efectiva. Realmente no sé cuán tonta o inteligente era la verdadera Sharon Tate en comparación con esta versión cinematográfica, ni cuán egocéntrico era Lee, pero cuando llegues al final de esta película y si entiendes el punto final de esta historia de Tarantino, comprenderás que eso no era en absoluto importante. Aunque interpretaron a personas reales, estos actores no interpretaron sus representaciones biográficas, sino que interpretaron sus versiones en el contexto de la historia de Tarantino y eso es lo único que importa al final. De los otros personajes, destacaría el excelente uso de Bruce Dern en el papel del anciano George Spahn (especialmente la escena donde Tarantino utiliza magistralmente los apellidos de Booth y Dalton para lograr un efecto cómico), el hilarantemente bien integrado personaje de Maya Hawke y, por supuesto, el inigualable Al Pacino como el productor real Marvin Schwarz.

Todos estos personajes contaron la historia del Hollywood de entonces y Tarantino logró, como nunca antes, utilizar a sus personajes en un contexto narrativo y metafórico más amplio. Aunque son personajes de carne y hueso, no son caricaturas, todos ellos, como individuos (excepto Dalton y Booth) son completamente irrelevantes porque están ahí para contar la historia, la historia que Quentin Tarantino ha escrito de manera tan genial.

Lo que estoy escribiendo ahora, si es que has logrado aguantar hasta esta parte del texto (¡kudos! por eso, por cierto!), es en realidad un resumen abreviado y condensado de los elementos «constructivos» básicos de esta película. Te preguntas, seguramente, ¿qué demonios está diciendo este * maldito loco, qué resumen, mira cuánto ha escrito, …, pero de verdad – Once Upon a Time… in Hollywood es la película más compleja y estratificada de Tarantino que requeriría, sin duda, varios ensayos bastante largos para ser analizada satisfactoriamente. Lo que presento aquí es solo una guía básica, tal vez un indicador sobre qué cosas prestar atención, pero desafortunadamente – no tenemos espacio aquí para analizar cada escena y cada detalle. Lo repito – ¡desafortunadamente!

La última cosa de la que quisiera hablar es el simbolismo de esta película. Es difícil aislarlo del contexto de la propia historia y la collage de géneros de esta película, de la que hablé al principio del texto, pero consideré que era más apropiado dedicarle un párrafo concreto que incluirlo en otras partes. De hecho, aunque el título sugiere muy agudamente, al principio no tienes la impresión de que la película sea de alguna manera irreal. ¿Ficticia? Absolutamente, pero todos los eventos reales ocurren como debían ocurrir, con un énfasis especial en la historia de Charles Manson. Todos esos hechos son completamente ciertos. Sin embargo, cuando llega el final de la película – algo no cuadra. Las cosas (aquí me abstengo de spoilers) no suceden como deberían, sino que Tarantino presenta un desenlace característico que, para asombro, funciona igual de perfectamente y apropiadamente como si realmente hubiera ocurrido. Y solo en ese momento, solo en esa última escena de la película, cuando aparece en la pantalla el texto «Once Upon a Time…» (en croata «Érase una vez…»), solo cuando comprendes que la película ha terminado, te das cuenta de con qué genio estás tratando. Quentin Tarantino ha logrado filmar nada menos que – ¡un cuento de hadas! Sin hadas, sin dragones, castillos, caballeros, … – solo con hechos históricos simples y una realidad ficticia que es tan buena que pasa sin problemas como realidad. Solo en ese momento comprendes toda la simbolismo de esa película, comprendes qué es Hollywood – un gran, brillante cuento de hadas que oculta la crudeza de su realidad detrás de un forzado happy end – y comprendes que Tarantino ha hecho una de las mejores películas sobre ese fenómeno. La supuesta simbolismo en la película La La Land parece una drama indie de bajo presupuesto de quinto grado que un mal estudiante de cine intentó presentar como trabajo de seminario en comparación con la profundidad, genialidad y melancolía que esta película deja atrás. Quizás la melancolía sea el mejor sentimiento que describe esta película, una felicidad y tristeza simultáneas, nostalgia y satisfacción, por la realización de que lo que ves es realmente hermoso, y honesto y sobre todo sincero, pero que en realidad no tiene nada que ver con lo que realmente es.

Tarantino ha dado una hermosa bofetada a toda la cinematografía estadounidense (y a sí mismo, no nos engañemos), pero de una manera tan hermosa y audaz. Por eso dije que los personajes reales son irrelevantes – no son ellos mismos, son personajes del cuento de hadas de Tarantino sobre el Hollywood perfecto donde el brillo del estatus estelar se derrama sobre la vida, así que la vida, en realidad, es un happy end de humor negro en el que el clímax de la tragedia es que Cliff Booth se va un momento al hospital con un cuchillo en la cadera. Por supuesto, estará bien y – todos vivieron felices para siempre! El único hecho triste, y Tarantino es muy consciente de ello (lo que hace que esta película sea tan genial como es), es que no fue así.

Tarantino ha madurado y parece que, en la cúspide de su genio creativo, cuando ha llegado a la fase en la que puede filmar prácticamente lo que quiera y hacer obras maestras, se retirará. Si esta es realmente su penúltima película, me dará una gran pena y creo que será una pérdida incalculable para la cinematografía contemporánea. Once Upon a Time… in Hollywood es al mismo tiempo una película atípica para Tarantino, a primera vista, pero aquellos que realmente aman y entienden a Tarantino verán que esta puede ser la más típica de todas sus películas, porque solo en esta película Tarantino ha logrado rendir homenaje a lo que más ama, que es – el cine. Antes eran géneros, períodos, pero solo aquí se ha convertido en su mayor pasión. Artísticamente maduro y sofisticado, con actuaciones extraordinarias y una historia increíblemente buena, Once Upon a Time… in Hollywood es indudablemente una de las películas del año y espero que la Academia tenga el valor de rendir homenaje a esta obra maestra el próximo año. Creo que es absolutamente evidente que la película es una recomendación absoluta, y dejen de lado las interpretaciones y finales controvertidos y recuerden, si acaso, solo una frase de esta breve introducción a la película, y es – todo es un hermoso cuento de hadas y Tarantino es muy consciente de ello.

En este momento solo puedo felicitarlo, puedo felicitarlo por su alma, su valentía, su autoironía, por abofetearse a sí mismo, pero, sobre todo, por su mejor, más maduro y más responsable película hasta ahora que ha cerrado tan bellamente todo lo que Tarantino nos ha dejado y todo lo que hemos llegado a amar con tanta pasión.

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