Ha llegado el turno de Jojo Rabbit, otra de las grandes favoritas en la temporada de premios y la película que ganó el premio del público a la mejor película en el Festival de Cine de Toronto. ¿Cómo abordó Taika Waititi este material que parece superficialmente cómico, pero que en realidad es muy profundo, y tuvo éxito en ello? Como de costumbre, ¡descúbrelo en nuestro texto!

Género:

drama, comedia, bélico

Dirección:

Taika Waititi

Guion:

Taika Waititi (basado en el libro Caging Skies de Christine Leunens)

Reparto:

Roman Griffin Davis (Johannes «Jojo Rabbit» Betzler), Thomasin McKenzie (Elsa Korr), Taika Waititi (Adolf Hitler), Scarlett Johansson (Rosie Betzler), Sam Rockwell (capitán Klenzendorf), Rebel Wilson (Fräulein Rahm), Archie Yates (Yorki)

Guion:

Johannes «Jojo» Betzler (Roman Griffin Davis) es un niño de diez años que es miembro de la Hitlerjugend y está tan obsesionado con el nazismo que su amigo imaginario no es otro que Adolf Hitler (Taika Waititi) en persona. Después de sufrir un extraño accidente en un campamento de la Hitlerjugend, Jojo debe dedicarse a la vida civil con su madre (Scarlett Johansson), mientras aspira a ser parte de la maquinaria nazi. Sin embargo, su vida cambia drásticamente cuando descubre a una judía escondida en la habitación de su difunta hermana, Elsa (Thomasin McKenzie), a quien al principio desprecia, pero se da cuenta de que debe protegerla para salvar a su madre y a sí mismo.

Después de que Joker ganara el León de Oro a la mejor película en la Mostra del año pasado, no hay duda de que también se perfiló como uno de los favoritos para el premio del público en el Festival de Cine de Toronto (TIFF), que suele «predecir» bastante bien a los ganadores del Oscar a la mejor película. Sin embargo, en lugar de Joker, este inusual filme de nombre peculiar, Jojo Rabbit, se alzó como ganador, que inicialmente me pareció demasiado poco serio para ser un candidato serio, especialmente después de ver que ni siquiera los críticos estaban unánimemente entusiasmados, pero – lo admito abiertamente – me equivoqué gravemente. No dudaba de la calidad de la película, pero no pensé que un filme con una premisa nominalmente cómica pudiera dejar una huella tan profunda, y eso es precisamente lo que sucedió.

Taika Waititi hizo un gran trabajo como director y aunque no se puede decir que la película esté significativamente por encima del promedio en algunos aspectos técnicos fundamentales, toda la realización sigue siendo de alto nivel. Entre los aspectos de dirección que destacaría como interesantes y buenos están la relativización temporal durante la filmación (aunque la película está ambientada en 1945, Waititi utilizó adecuadamente algunas técnicas características del cine moderno, como el rodaje circular que muestra el paso del tiempo y los mismos personajes en diferentes situaciones, pero en un mismo plano continuo), la excelente elección de Praga como locación de rodaje y la adecuada autenticidad de la escenografía, que retrató fielmente tanto las condiciones de guerra como la devastación bélica, además de una buena edición.

Los vestuarios, el maquillaje y el peinado fueron sorprendentemente buenos, especialmente los vestuarios, por lo que no sorprende que Jojo Rabbit haya recibido una nominación al Oscar en la categoría de mejor diseño de vestuario. Michael Giacchino compuso la música original para la película, pero esta quedó en gran medida a la sombra de la música utilizada, que comenzó con los Beatles y terminó de manera impactante con el inigualable David Bowie. La simbolización de los números musicales en la película es enorme, comenzando con una ironía increíblemente poderosa en la que la versión alemana del gran éxito «I Want to Hold Your Hand», lanzado por los Beatles en 1963, cuyo título en alemán es «Komm, gib mir deine Hand», se utilizó como una parábola satírica entre la maníaca obsesión del pueblo alemán por Hitler y la «beatlemanía» que arrasó el mundo en los años 60; aquí Waititi abrió de manera muy contundente, destacando el simbolismo de la película, pero también ironizando al maníaco genocida hasta el punto de reducirlo a una simple «estrella pop» y con una canción cuyo texto es lo suficientemente simpático como para «aniquilar» por completo la importancia de Hitler. Más adelante hablaré sobre cómo Waititi presentó a Hitler como un idiota complejo, pero en este punto solo quiero elogiar el uso de otros anacronismos musicales, especialmente la icónica canción de Bowie «‘Heroes'», que cerró la película de manera tan poderosa y contundente como la ironía de los Beatles la abrió.

La mayoría de los personajes en la película parecen, superficialmente, muy planos y estereotipados, sin embargo, solo de uno de ellos (el oficial de la Gestapo Deertz, interpretado por Stephen Merchant) se puede decir que (y creo que este es el procedimiento de caracterización intencionado) no salió del molde en el que fue presentado. Dado que los estereotipos son una parte extremadamente importante de esta película en el sentido de que Waititi los presenta hábilmente y luego los deconstruye, llevándolos a un absurdo total en el que no solo parecen sin sentido, sino también completamente estúpidos, traducir ese elemento narrativo-temático a la caracterización de los personajes y su desarrollo es, en realidad, una expresión de pura brillantez artística por parte de Taika Waititi, quien, además de dirigir, también fue responsable del guion de esta película. No sé cuánto le facilitó o dificultó el trabajo el libro original, pero independientemente de eso, el desarrollo del tema de los estereotipos a través de la caracterización de los personajes logró el entusiasmo deseado.

El personaje central es Johannes Betzler, cuyo apodo Jojo, debido a un desafortunado incidente con un conejo, durante el cual la nobleza del niño se convierte en objeto de burla y se presenta como una debilidad, se convierte en Jojo Rabbit. Aunque es solo un niño de diez años, Jojo está tan obsesionado con el nazismo y el Tercer Reich que su mejor (y imaginario) amigo es Adolf Hitler en persona. Sin embargo, a través de la narración, es más que evidente que Jojo fuerza su nazismo, aunque en la práctica no tiene nada que ver con esa ideología repugnante. A primera vista, el personaje de Jojo es un excelente estudio de la indocrinación ideológica desde una edad temprana – que fue característica de los regímenes fascistas y nazis, pero también de algunos regímenes socialistas de la Guerra Fría – donde los niños son alimentados con una ideología que, primero, no entienden, y segundo, no quieren entender. Jojo es un brillante ejemplo de esto porque su nazismo era solo nominal, es decir, lo que Elsa describió bellamente como un deseo de pertenecer a un «club», sin embargo, de cada uno de sus movimientos se podía ver que no solo no es un nazi, sino que tampoco entiende lo que el nazismo representa. Waititi a veces – ¡intencionadamente! – lleva esto al absurdo, lo que se ve mejor a través de su relación inicial con Elsa, es decir, a través de su relación inicial con su origen judío; además de Jojo, un excelente ejemplo de esto es el adorable Yorki (Archie Yates), quien sigue las instrucciones de sus superiores, se convierte en soldado con un uniforme de cartón a la edad de 11 años y lleva un mortero solo porque se lo dijeron, pero de cada una de sus réplicas es evidente que él entiende aún menos la ideología que, nominalmente, representa, y lo mismo vale para la guerra en la que participa. Esta representación de la guerra desde la perspectiva de un niño también es uno de los elementos más bellos de esta película, ya que Waititi, a través de tal procedimiento, enfatizó aún más el absurdo del odio que la Segunda Guerra Mundial cultivó tan intensamente.

El joven Roman Griffin Davis me impresionó en el papel principal y considero que es una gran injusticia que no haya recibido una nominación al Oscar, dado que para un actor tan joven esta es realmente una interpretación impresionante, auténtica y sincera, que – spoiler alert – estará en nuestra lista de las mejores interpretaciones actorales de 2019, que se publicará en el portal en los próximos días. Lo que fue especialmente impactante fue su sinceridad, que Waititi utilizó excelentemente para mostrar la maduración de su personaje, es decir, la deconstrucción de su indocrinación y su transformación en el idealismo más hermoso posible.

Esto último sucedió principalmente a través de su relación con la niña judía Elsa (Thomasin McKenzie), a quien su madre Rosie (Scarlett Johansson), que en realidad era miembro del movimiento de resistencia, escondía en un cuarto secreto detrás de la habitación de su difunta hermana, Inge. Aunque Waititi – aunque no sin el efecto deseado – utilizó un poco de manera estereotipada la comicidad de su primera aparición, Elsa se mostró como un personaje excelentemente desarrollado, y la joven McKenzie realmente me impresionó en el papel, que simultáneamente revelaba toda la amargura, es decir, el dolor de su personaje, pero también el idealismo que, a pesar de todo, guardaba en lo más profundo de sí misma. Ella es presentada como el principal antípoda, como la principal enemiga de las creencias de Jojo, pero su transformación de «cosa del ático» en el amor de Jojo fue excelentemente representada, y a través de ella se derriban todos los estúpidos estereotipos, cuyos defensores son finalmente representados como completos idiotas, junto con la ideología idiota que defendían. Cuando ves cómo, en el contexto satírico de esta película, los nazis percibían a los judíos – y esto no se aleja demasiado de las teorías más creativas de esa época – entonces te das cuenta de cuán estúpido es cada forma de odio y intolerancia.

Adolf Hitler es también un personaje extremadamente importante para esta película, aunque aparece solo como una versión absurda y satírica de sí mismo, interpretada por Taika Waititi, un neozelandés (me parece un movimiento muy audaz y hilarantemente ingenioso por parte de Waititi, que al final me gustó mucho). Por un lado, él es el símbolo de la ideología y del Reich por el que todos los personajes de la película luchan, es decir, el símbolo de todo ese odio vacío, sin sentido y estúpido que la película desenmascara como la más ordinaria de las tonterías y solo como una locura. Por otro lado, él es un símbolo más específico del deseo de Jojo de (ideológicamente) pertenecer en un periodo en el que su único amigo real es un gordito marginal (¡Yorki sigue siendo maravilloso!), en un mundo donde su padre supuestamente lucha en algún lugar en el frente lejano, y su madre sostiene posturas diametralmente opuestas a sus aspiraciones. Hitler es así, al mismo tiempo, un interlocutor real para el solitario Jojo, pero también la personificación de ese fanático alter ego al que Jojo aspira, pero que afortunadamente nunca encarna, y no por un giro del destino, sino por una verdadera realización que culmina en su patético y literal patear a Hitler por la ventana hacia el caos del que vino. Waititi fue excelente en su sátira y su interpretación de Hitler como reflejo de la mente de Jojo complementó perfectamente la caracterización del personaje titular; gran parte de la maduración de Jojo se presenta precisamente a través del (primero latente, y luego directo) rechazo del Hitler imaginario, y con ello de todo lo que el verdadero y simbólico Hitler representaba, donde un gran papel tuvo el momento en que Yorki le reveló a Jojo la verdad sobre el cobarde suicidio de Hitler y así rompió todas las ilusiones que Jojo tenía sobre el «gran líder».

Los otros personajes secundarios fueron excelentes, por lo que la nominación que recibió Scarlett Johansson por su papel de Rosie Betzler es completamente merecida (aunque su acento alemán, al menos para mí, fue un poco irritante). Su interpretación es convincente, variada y, además, muy sincera, y la tragedia de su destino es otro paso muy importante en el desarrollo y maduración de su hijo, a quien, a pesar de todas sus y sus creencias, amaba más que a nadie, protegiéndolo hasta el final. Sin embargo, quien quizás me sorprendió más gratamente y, por lo tanto, me entusiasmó de la manera más inesperada fue Sam Rockwell en el papel del capitán Klenzendorf. Inicialmente presentado como un tipo «me importa un bledo» que solo cumple órdenes para cumplirlas y que en ese contexto asumió inicialmente el papel de personaje cómico, Klenzendorf se mostró con el tiempo no solo como un personaje extremadamente progresista y valiente, sino también muy noble y perceptivo, tanto que a través de su cinismo despreocupado – que cierra excelentemente el final de la película – mostró cuán consciente es de las circunstancias idiotas en las que todos se encuentran, es decir, cuán vacía es la finalidad de su «lucha». Rockwell fue nuevamente excelente y debo decir que es una pena que no haya recibido más nominaciones, pero este año la competencia por el papel secundario es realmente fuerte. Sin embargo, de todos los personajes de la película, Klenzendorf se mostró sin lugar a dudas como la sorpresa más noble y su historia, su sacrificio en realidad, es uno de los segmentos más bellos de esta película.

Sobre el pobre Yorki, que se ha mencionado varias veces, solo repetiré que es indudablemente uno de los personajes más simpáticos y adorables del cine de todos los tiempos, y su percepción infantil de la guerra es en realidad un hermoso absurdo que muestra aún más la genialidad y profundidad de esta película.

El nivel temático-ideológico de esta película se conecta con los mensajes que Waititi presenta a través de los personajes, sin embargo, también contiene varias ideas generales que se muestran a través de la película misma, y que solo se ilustran a través de los personajes, pero no se realizan a través de ellos. En primer lugar, Waititi llamó a esta película una sátira contra el odio (en inglés, anti-hate satire) y resultó que esta película fue precisamente eso. Toda una serie de elementos de esta película – personajes, circunstancias históricas caricaturizadas, ideología caricaturizada, etc. – están dirigidos a ilustrar la idea de que el odio es absurdo y que, como tal, es innecesario. En este sentido, la sátira es el arma más poderosa de Waititi y la utiliza de manera efectiva, aunque no siempre con moderación, pero eso se le puede perdonar, dado el objetivo final. También hubo humor clásico, pero también algunos otros sentimientos que fueron catalizadores de cambio, como la tragedia o el amor, sin embargo, todos esos sentimientos tienen en común que quieren destruir el odio, que estaba incrustado en los fundamentos históricos de esta película. Waititi es extremadamente hábil en su plan y destruye con gran éxito todas las formas de odio, intolerancia y estereotipos que, curiosamente, él mismo estableció, pero solo para luego destruirlos. En este sentido, Waititi es como un cuidadoso constructor de construcciones de LEGO, que destruye por completo su fortaleza roja y negra y la convierte en un montón de «material de construcción» sin sentido que, por sí mismo, y así en el contexto del mundo en el que existe, no tiene absolutamente ningún significado.

Otro aspecto importante de esta película es la libertad, que se ha apostrofado explícitamente en varias ocasiones como un segmento esencial. Rosie habla de la libertad, para quien la libertad es la posibilidad de expresar sinceramente su propia postura y la libertad del mundo del nazismo; Klenzendorf, para quien la libertad es el futuro y la posibilidad de ser lo que uno es; Yorki, para quien la libertad es mucho más concreta que la ideología abstracta a la que nominalmente pertenece, quizás no claramente articulada, pero sin duda la libertad de ser un niño y disfrutar de ello; Elsa, cuyo concepto de libertad es, por un lado, existencial y, por otro, de naturaleza esencial y representa una hermosa combinación de libertad del miedo y libertad para disfrutar de la vida de la manera más sincera y emotiva posible; y, finalmente, Jojo, quien encarna el proceso de liberación de las cadenas de la repugnante indocrinación, es decir, la libertad de elección y la libertad de crecer (madurar). Estos diferentes aspectos de la libertad, tal como se presentan a través de la película, explican todas las formas importantes de ese elemento tan esencial y muestran cuán profunda es esta sátira de comedia negra, que superficialmente parece mucho más superficial de lo que realmente es. Un aspecto ineludible en la comprensión de la libertad en esta película es el baile, que desde el principio hasta la hermosa última escena, es un poderoso símbolo de algo hermoso, perdido, pero nuevamente alcanzable, en esencia, algo a lo que se debe aspirar y que, por supuesto, se logrará si somos lo suficientemente persistentes en ese deseo.

No hablaré de los motivos políticos e ideológicos porque no son tan importantes para esta crítica, y antes de concluir, solo quiero mencionar un elemento que se presenta de manera algo latente, pero que para mí está bellamente realizado, y ese es – el idealismo. Paradójicamente, y a Waititi le encantan los paradoxos en esta película, Jojo Rabbit es una película cuya fachada y telón de fondo parecen desesperanzados y caóticos. Las circunstancias históricas del nazismo y la Segunda Guerra Mundial no solo matan la esperanza, sino que, parece, sofocan cualquier forma de idealismo o lucha por el idealismo en circunstancias en las que se perdían vidas por cosas mucho más benignas que este sentimiento tan sincero. Sin embargo, precisamente ese aspecto evidentemente reprimido de esta película gritaba todo el tiempo y finalmente estalló con los acordes de los «Héroes» de Bowie y los versos de Rilke, manifestándose de la manera más hermosa posible: un baile sincero, precioso y enamorado de dos niños en medio de un pueblo devastado por la guerra en el que, después de tanto tiempo, se había mudado nuevamente, y con él, ese idealismo infantil más puro, sincero y perfecto al que solo podemos admirar y disfrutar.

Podría seguir hablando sobre el amor – sobre lo que también habla la película en varias ocasiones – pero dejaré esa hermosa parte de la historia y esos numerosos aspectos del amor representados en la película (maternal, amistoso, fraternal, verdadero) para que ustedes los descubran, con la nota de que están estrechamente relacionados con el idealismo mencionado anteriormente y que le dan a la película una dimensión adicional de profundidad.

Aunque puede que no parezca así después de leer el texto anterior, Jojo Rabbit no es, de ninguna manera, una película perfecta. El comienzo es bastante tibio, el humor no siempre es original y ha habido elementos que ya se han visto muchas veces, y algunos aspectos pueden estar un poco sobrecaricaturizados. Sin embargo, todo eso no es en absoluto importante porque la totalidad de Waititi es tan poderosa, tan hermosa y tan creativa que estos defectos objetivos son solo partículas de polvo en la base de la grandeza de esta película, cuyo mensaje de idealismo no solo es hermoso, no solo es poderoso, sino también indescriptiblemente importante.

Taika Waititi ha demostrado que es capaz de combinar su estilo específico de comedia con temas muy serios y, al mismo tiempo, hacer una película verdaderamente poderosa. Se ha invertido una gran minuciosidad en la construcción de la narrativa, el desarrollo de ideas y la caracterización de personajes, y todos esos elementos se complementan en una hermosa totalidad, que envía una fuerte advertencia, pero también un hermoso mensaje de que el idealismo es posible incluso en los peores momentos. Todo el elenco hizo un trabajo excelente y ayudó a Waititi a realizar esta película de la mejor manera posible. Y así, permítanse llorar con esta película, permítanse ser llevados por las emociones y recuerden que todos seguimos siendo niños y que el idealismo es posible tanto en los peores como en los mejores momentos. Quizás en estos primeros momentos sea aún más importante… aún más necesario.

Personalmente, no soy poeta, como se puede ver por la cantidad de prosa que puedo escribir, así que terminaré esta crítica de la misma manera en que Waititi terminó su película, con Rilke y el gran Bowie. ¡Disfruten!

Let everything happen to you

Beauty and terror

Just keep going

No feeling is final.